¿Vale su peso en oro el inglés consentido del Young British Art (YBAs), BritArt en dialecto minimal, movimiento articulado por el ex responsable de imagen de Margaret Thatcher, el ex publicista y ahora galero Charles Saatchi siempre criticado por sus artistas “que sólo saben provocar”? Vale su peso en oro, sí señor, y por ello, quizá, esa misma noche se lanzó el rumor –así hacen los galeros según una reputada dealer mexicana– de que la superestrella del arte contemporáneo, nombrada por ArtReview como el artista más influyente del año 2005, ya había vendido 40 millones de dólares en obra. Por cierto, el portavoz de Saatchi, William Miller, no piensa que las multitudes recorran por morbo los magníficos salones del ex County Hall ribereño, no, él espera “que vengan con la idea de contemplar grandes obras de arte, no de entrar en la casa del terror”. Unos días antes de la fiesta quien esto escribe había recibido un correo de un lector desconocido, el joven ginecólogo Pepe Yáñez, para conocer las impresiones sobre la muestra. ¿Qué le iba a decir?

El tiburón gigante no pudo venir porque, se dijo ya, fue vendido por papá tiburón Saatchi a un anónimo-tiburón financiero de Nueva York al precio más alto obtenido por un artista vivo. Como ya vio el lector, Hirst no aclaró el gran tema que estará vinculado durante mucho tiempo a su obra: el del $$$$$. ¿La compraventa significó que el centro del dinero mundial se ha desplazado de Londres a la Gran Manzana como sugirió Reuter? De momento es imposible sostener con pruebas tal afirmación, pero el que la prensa haya discutido al respecto habla con elocuencia sobre el maridaje moderno entre arte y poder monetario –léase euros suficientes para comprar en la carísima Inglaterra caserones del siglo XVIII, la Casa Todding Manor, y fundar un museo de arte contemporáneo. Por lo pronto a Hirst le debe haber servido para ser nombrado el artista más influyente por encima de Larry Gagosian, nacido en 1945 y dueño de importantes galerías en Londres y Nueva York; Francois Pinault, coleccionista de Miró, Pollock, Modigliani, Warhol, Picasso y Gauguin; y Nicholas Serota, director de las Tate Galleries en Londres, con cuatro millones de visitantes al año, cifra muy superior a los 900 mil espectadores del Guggenheim de Bilbao.

En este punto es difícil resistirse a citar un pasaje de la novela Sammler´s Planet, de Saul Bellow: “El poderoso disfrute de consumir la respiración de los hombres en sus mismas narices, tragándose sus caras como un Saturno. Esto era lo que realmente parecía significar la conquista del poder. […] la zona media de la sociedad envidiaba y adoraba ese poder para matar. […] Cuánto amaba al hombre lo bastante fuerte para tomar sobre sí una sangrienta culpabilidad. Una élite debía probarse esa capacidad de matar […] un santo había de ser entendido como alguien cuyo espíritu estuviese a la altura del fogoso retorcimiento del crimen en las fibras más íntimas de su corazón. Uno entre muchos sabe cómo asesinar. Un patricio […] La clase media, que no se creó una vida espiritual propia y todo lo invirtió en la expansión material, se enfrentaba con el desastre”. ¿Es miedo superficial y edulcorado lo que provoca la obra de Damien Hirst? ¿Temor a nuestro deseo subterráneo de dar muerte a quien es capaz de hacerlo? ¿O es un miedo profundo a nuestra propia mortalidad? ¿Es o no Arte lo suyo? ¿O es sólo Poder? ¿Con qué se come este nuevo arte de los tiempos del cólera global? Esta cronista confesará algo más para terminar: la primera obra famosa de Hirst, el tiburón titulado La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo, la conoció en Londres y hasta ahora sigue viva en el teatro de su memoria, quizá porque despertó una veta melancólica, tal vez porque desató un fluir de la conciencia en torno a la brevedad de la vida justo al día siguiente del asesinato de un hombre de treinta y pico a quien, en noviembre de 2004, asesinaron, por ser homosexual, seis chavos banda a orillas del Támesis, cuatro blancos y dos negros. Sí. El tiburón me conmovió pero nunca sabré cuánto debe dicha emoción a la muerte del único sobreviviente del bombazo ocurrido en SoHo hará tres o cuatro años. En cambio Lost love -un tanque de agua con 20 carpas nadando en un espacio de 14 x 14 metros, un escritorio y una computadora, algunos instrumentos quirúrgicos, una vieja taza de café bebida a medias y un sillón ginecológico a merced de galones y galones de agua- queda para siempre en ese lugar que ahora llaman alto corazón, presidiendo un agrio combate entre filias y rechazos a este artista.